Так как октябрь уже подходит концу, а октябрь – это идеальный месяц предназначенный для различных хорроров, которые только и ждут продемонстрировать свой разнообразный репертуар, чтобы подогреть и подготовит зрителя к надвигающемуся хэллоуинскому празднику, то давайте скорей взглянем на ряд любопытных премьер не только Хэллоуина, но и ближайшего будущего, а также на те фильмы, которые уже вышли и идеально подойдут для 31 октября.
Посмотрел первый сезон сериала «Баффи — истребительница вампиров» от уже несуществующего канала The WB. Конечно, это не первый мой просмотр этого сериал. В юном возрасте мне удалось посмотреть два первых сезона, но воспоминания о нём остались весьма мутными и расплывчатыми. А так как сериал «Баффи — истребительница вампиров» считается такой вехой для сериальной индустрии, решил наконец с ним ознакомиться и закрыть этот гештальт.
Думаю, как всё закончить/I'm Thinking of Ending Things – Чарли Кауфман взял, по сути, очень простую историю несбывшихся надежд и усложнил его нарратив различными образами, цитатами и очень длинными диалогами и монологами, от которых просто невозможно оторваться от наслаждения, погружаясь всё гуще в эту пучину депрессивной исповеди, минуя пейзажи Каспара Давида Фридриха, мюзикл «Оклахома», «Игры разума»Рона Ховарда, вымышленный ромком Роберта Земекиса и многое другое.
Netflix видимо решил слегка разогнать серые тучи с 2020 года и за этот месяц выкатил аж целых два прекрасных фильма – это «Думаю, как всё закончить»Кауфмана и «Дьявол всегда здесь»Антонио Кампоса, о котором сейчас и пойдёт речь. При том, что главная премьера от Netflix всё ещё ждёт нас впереди, лишь осталось дождаться октября: я имею в виду фильм Дэвида Финчера«Манк».
Посмотрел первый и, к сожалению, единственный сезон сериала «А теперь — апокалипсис» от канала Starz. Такой потенциальный magnum opus известного режиссёра Грегга Араки, который, увы, не состоялся, так как сериал закрыли после первого сезона, оставив все его сюжетные линии в подвешенном состоянии. И это по-своему удручает, потому как «А теперь — апокалипсис» — это действительно необычный и очень смелый проект, который видимо посмотрели всего два с половиной человека. Хотя такой узкий кругозор со стороны отечественного зрителя ещё можно понять из-за откровенного и раскрепощённого содержания в плане сексуальной открытости, но почему на западе он прошёл так незаметно, сложно сказать.
Посмотрел третий сезон сериала «Йеллоустоун» от канала Paramount Network. Какой же это был малосодержательный, водянистый и мыльный сезон, который лишь обозначил конфликты для четвёртого сезона и ничего дельного не показал. Словно после того, как канал Paramount Network решил продлить сериал на два сезона вперёд, его автор Тейлор Шеридан поразмыслил и подумал, что спешить некуда и посветил весь третий сезон экспозиции. Поэтому герой Кевина Костнера решает взять выходной и отправляется с родными и подчинёнными на отдых в прерии, и проводит там время в течении четырёх серий, во время которых сюжет стоит на месте и никуда не двигается. Но, а после этих четырёх серий каких-то кардинальных сдвигов по сюжету опять не происходит.
Вместо этого Шеридан разводит ужасную мыльную мелодраму между героями Келли Райлли и Коулом Хаузером, а также продолжает демонстрировать топорные романтические отношения между Люком Граймсом и Келси Эсбиль, которые произносят такие ванильно-сахарные цитаты, что престаёшь верить в то, что их написал автор «Ветреной реки» и «Сикарио». Но, помимо этого, Шеридан занимается таким лютым морализаторством, что через уста Келси Эсбиль порицает молодёжь за их любовь к инстаграму, вываливая такую пошлую риторику, что становится по-настоящему кринжово. А также не забывает использовать мотивы и сюжетные перипетии «Ветреной реки» во второй раз, но уже применяя их слишком грубо и криво.
Хотя самый смак шекспировских коллизий вновь досталось персонажу Уэса Бентли, которого все прошлые сезоны автор ломал его как личность (кажется Шеридан его ненавидит), а теперь мы узнали, что он ещё и приёмный ребёнок, а также причину почему героиня Келли Райлли так его ненавидит. Спасибо, блин, спустя два с поливной сезона нам наконец объяснили почему. Конечно, помимо всех этих семейных отношений, у Шеридана также есть главная линия, связанная с большой корпорацией, которая хочет приобрести землю Даттонов и построит там аэропорт, но эту линию Шеридан либо решил поберечь для следующего сезона, либо она ему так неинтересна, что он постоянно забивает хронометраж ковбойскими буднями людей из ранчо.
И если раньше эти сцены были отдушиной сериала, из-за чего ты, по сути, и смотрел этот проект, то сейчас это какие-то нелепые перебивки, напоминающие сериал «Сыны анархии», где все его персонажи начали раздражать. И видно, что Шеридан понимает насколько третий сезон у него получился бессодержательным, и он в финале выдаёт настолько шаблонный клиффхэнгер, что начинаешь сомневаться в его авторской одарённости. Плохо Шеридан, очень плохо.
«Довод»Кристофера Нолана – это технически впечатляющий, но эмоционально холодный фильм, который концептуально напоминает «Начало», но в отличие от него чересчур схематичен и прогружен деталями. Если фильм «Начало» мог предложить главного героя с понятной мотивацией и ясным прошлым, чтобы сориентировать зрительское соучастие и сочувствие, то в «Доводе» главный герой предстаёт в виде обезличенного образа, которого словно в компьютерной игре инструктируют для выполнения различных миссий, и он их выполняет. Его реакция и мотивы зависят не от личностного выбора, а потому что так нужно сюжету. Именно по этой причине актёр Джон Дэвид Вашингтон здесь настолько статичен.
Также в отличие от «Начало», тоже состоящий из череды экспозиций, чётко объясняющих привала и законы мира снов, «Доводе» лишён такой внятности. Режиссёр Кристофер Нолан, словно забыв, что означает слово «темп», первые полчаса нагружает таким количеством информаций, что ты просто теряешься от её объёма, так как у тебя нет времени, чтобы эту информацию осознать и упорядочить. И Нолан об этом видимо прекрасно знает, иронично сообщая зрителю через героя Роберта Паттинсона о том, чтобы он расслабился и не заморачивался. При том, что сюжет его картины вовсе не сложный, но из-за перенасыщенности событий некоторые моменты во время просмотра легко можно упустить.
В остальном мне «Довод» понравился. После длительного безрыбья на большие и масштабные фильмы, смотреть «Довод» было действительно увлекательно. Даже через слой напыщенного пафоса, псевдоинтеллектуальных изречений и сюжетных нагромождений нельзя не отрицать, как всё это виртуозно снято, технически круто исполнено и впечатляюще выглядит. Схватка инверсивного человека с неинверсивным, инверсивная автомобильная погоня, хореография перестрелок и драк, разрушение настоящего «Боинга» и многое другое смотрится дорого и эффектно.
Да даже отсутствие Ханса Циммера на посту композитора можно не сразу заметить, так как музыкальная партитура Людвига Йоранссона помимо того, что похожа на работу Циммера, имеет и собственный авторский почерк. И дайте уже Кристоферу Нолану снять свой фильм про Джеймса Бонда, ведь видно по «Доводу», «Началу» и «Тёмному рыцарю», что ему очень хочется его снять.
10) «Ночь живых мертвецов» (Джордж А. Ромеро, 1968)
Подрывной независимый чёрно-белый фильм Джорджа Ромеро — это хоррор-классика о зомби, где режиссёр почти в одиночку изобрёл канон современного зомби. У фильма отсутствует большой бюджет, у него весьма скудные и простые спецэффекты, а также непрофессиональные актёры в касте, но именно эти несовершенные компоненты придают картине грубый реализм, который и вызывает тревогу. По словам режиссёра, изначально на роль Бена не предполагался чернокожий актёр и никакого расового комментария он туда не вкладывал. Однако нельзя игнорировать символизм в выборе актёра Дуэйна Джонса — в то время очень редкий случай героического амплуа в исполнении чернокожего актёра — на фоне расового напряжения в Америке, претерпевавшее значительные социальные изменения в результате движения за гражданские права. Сама тема расизма, конечно, отсутствовала в фильме, но кастинговый выбор Ромеро открыл обширное поле для различных интерпретаций и анализов, особенно на фоне невероятно мрачного и незабываемого финала. Картина породила множество продолжений и ремейков, в частности, перезагрузку 1990 года, в которой Тони Тодд сыграл роль Бена.
9) «Чужой» (Ридли Скотт, 1979)
Вы можете пережить «Чужого», но вы никогда не сможете по-настоящему избежать его. И не только потому, что Ридли Скотт, вероятно, никогда не перестанет снимать свои сиквелы или приквелы. «Чужой» так далеко отошёл от своих истоков с момента его рождения почти 40 лет назад, что уже трудно вспомнить, каким действительно страшным был первый фильм, поэтому напомню: грузовой космический корабль «Настромо» и его экипаж рано пробуждается от гиперсна после получения сигнал бедствия. После чего Джон Хёрт встречает не очень дружелюбное существо, называемое фэйсхаггером. А это существо порождает нечто ещё худшее, что убивает всех, кто находится на борту «Ностромо», если, кончено, он не носит имя Эллен Рипли. В космосе, как говорится, никто не услышит твой крик.
8) «Нечто» (Джон Карпентер, 1982)
Джон Карпентер в «Нечто» создает паранойю, страх и изоляцию с такой мощью, с которой мало что-то сравниться по воздействию. Когда антарктические исследователи сталкиваются с инопланетной сущностью, способной имитировать другие формы жизни, недоверие и ужас нарастают по экспоненте, пока не достигают высшего пика. Дизайн существ и практические эффекты по-прежнему впечатляют и являются одними из лучших в истории кино. Фильм, который хватает тебя за горло и не отпускает до финальных титров.
7) «Глаза без лица» (Жорж Франжю, 1960)
Сказки часто вызывают те же первобытные страхи, что и фильмы ужасов: боязнь быть отвергнутым, страх одиночества, старения, потери красоты. В истории Жоржа Франжю про пластического хирурга, одержимого тем, чтобы сохранить внешность своей дочери — её лицо было обезображено в результате несчастного случая — этот хоррор в обличье извращённой сказки пугает своей звенящей партитурой Мориса Жарра. Единственный выход для отца — это пересадка лица, что означает похищение женщин, с которых он срезает кожу. Но тело его дочери неизбежно отвергает эти кожные трансплантаты. Идея о том, что потеря красоты — это то же самое, что и сама смерть (отец устроил похороны своей дочери и скрывает её от мира), и то что красота стоит того, чтобы убивать (помощница доктора в исполнении актрисы Алиды Валли в роли архетипа «охотника», выходящей на улицу и похищающей молодых женщин). «Глаза без лица» сообщают, что высшая грусть — это когда само счастье достигается через несправедливость: а именно, чтобы что-то получить для себя, это что-то надо забрать у другого.
6) «Психо» (Альфред Хичкок, 1960)
«Психо» — это практически anno domini для кинематографа: есть до и после, в которых не было ничего одинакового. Возможно, век коллективного спора насчёт того «что есть фильм?», «а что есть телевидение?» восходит к фильму «Психо», который Хичкок снял со съёмочной группой своего телешоу «Альфред Хичкок представляет», где логотип Paramount вначале содержит зернистые линии чересстрочной развёртки в качестве шутливой аффектации. Кого волнует формат? Главное видение — и Хичкок в «Психо» доказал, насколько невозможно для всех его многочисленных подражателей запечатлеть его стиль. Несмотря на все страхи и потрясения — и эту сцену в душе; и этот юмор в моменте, когда Норман слегка пугается, когда машина Мэрион Крейн ненадолго перестаёт погружаться в болото; и жена шерифа, вспоминающая как она выбрала погребальное платье миссис Бейтс («синий барвинок») — поверить в псевдонаучную чепуху, которую психиатр в конце извергает, пытаясь «объяснить» всё, что произошло; становится ясно, что никаких объяснений не хватит, чтобы дойти до определённой истины. Есть в жизни такие вещи, которые таковы по сути. И «Психо» — это кинематографическая ухмылка Хичкока в ответ на наши бесполезные попытки понять бессмысленное.
5) «Хэллоуин» (Джон Карпентер, 1978)
Было много фильмов ужасов до того, как культовый слэшер Джона Карпентера дебютировал в 1978 году, но «Хэллоуин» нашел идеальную формулу, чтобы превратить страшный праздник в незабываемый. Запоминающаяся главная музыкальная тема, идеальная «последняя девушка» Лори Строуд в исполнении Джейми Ли Кёртис и убийца в маске, который, кажется, не может умереть – навсегда изменили жанр. После необъяснимого убийства своей старшей сестры на Хэллоуин в возрасте шести лет, Майкл Майерс провёл большую часть своей жизни в психиатрической больнице, но в роковую ночь на Хэллоуин 1978 года он сбегает оттуда и возвращается домой в Хэддонфилд, чтобы терроризировать главную героиню и её друзей. Скрывающийся за криповой белой маской, Майерс преследует и пробивает себе путь к своей намеченной цели через град пуль и ударов. Хотя Карпентер технически убил его в «Хэллоуине II» 1980 года, Майерс оказался настолько популярным, что воскрес ещё раз в 1988 году, чтобы породить целую франшизу.
4) «Изгоняющий дьявола» (Уильям Фридкин, 1973)
Спустя почти полвека после выхода, «Изгоняющий дьявола» остаётся одним из самых страшных фильмов, когда-либо снятых по одной причине — существует первобытный дискомфорт от контраста между невинной молодой девушкой и демоном, захватившим её душу. Оригинальное исполнение Линды Блэр в роли 12-летней Риган, которая изрыгает рвоту и изгибает свою голову, высвобождая тревожный смех и различные пошлости, воплощает идею о том, что ничего святого нет. Даже используя силу писания Макс фон Сюдов не гарантирует, что все обернётся благополучно для бедной Риган и её семьи. Режиссёр Уильям Фридкин подходит к роману Уильяма Питера Блэтти с той же изысканностью, которую он привнёс в свои другие картины на пике своей карьеры. Один из самых прибыльных фильмов в истории, «Изгоняющий дьявола» породил несколько сиквелов и телесериал, но ни один из них не сравнится с оригиналом, раскрывающего мифологию верхушки среднего класса Америки так ясно. Десятилетия спустя его документальный фильм об изгнании нечистой силы «Дьявол и отец Аморт» доказал, насколько культовое влияние фильма «Изгоняющий дьявола» продолжает преследовать его создателя, а также целое поколения кинозрителей.
3) «Ребёнок Розмари» (Роман Полански, 1968)
Тревожный ещё с момента, как Миа Фэрроу начинает петь во время начальных титров, шедевр Романа Полански вонзает в тебя свои когти и оставляет такой же след, как на Розмари. Зло не является чем-то непознаваемым в этой всё ещё актуальной истории о женщине, которую газлайтит её муж и соседи, являющиеся сатанистами. Беременность – это и так достаточно тяжёлый стресс и без всяких шабаша ведьм, поющих в ночи, вызывающий у главной героини подозрения о том, что её соседи и все их друзья заключили договор с Люцифером, касающийся её будущего ребенка. «Ребёнок Розмари» настолько церебральный в своем подходе к психологическому ужасу, что заслуживает докторской степени.
1970-е навсегда изменили жанр хоррора, и катализатором этого стал фильм Тоуба Хупера«Техасская резня бензопилой». Группа друзей натыкается на настоящий дом ужасов в Техасе, в котором живёт сумасшедшая семья каннибалов во главе с одним из самых ужасных злодеев ужасов, Кожаным лицом, одетым в маску, сшитую из человеческой кожи. Именно героиня Салли стала первой Final Girl, вырвавшаяся из лап Кожаного Лица словно бабочка из куколки ужаса, чтобы стать пропитанным кровью ангелом мести. Несмотря на то, что образ Final Girls претерпел за эти годы несколько вдохновляющих трансформаций, он по-прежнему остаётся одним из величайших феминистских достижений хоррора.
1) «Сияние» (Стэнли Кубрик, 1980)
Вина не в призраках, которые преследуют нас, а в нас самих. Разве призраки толкнули Джека Торренса (Джек Николсон) на психотический путь в «Сияние»? Когда мы впервые с ним встречаемся он уже был инициатором домашнего насилия над своим сыном. Николсон определенно играет Джека, так, будто он сумасшедший с самого начала. В «Сияние» есть определенное сновидческое ощущение, очень похожее на то, что было в «С широко закрытыми глазами», предполагающее, что весь страх, который вы отвергаете, может быть правдой. И этот зудящий страх в глубине твоего живота не врёт. Если ваш инстинкт подсказывает вам, что ваш муж может убить вас и вашего сына, то, вероятно, у этого страха есть причина. Возможно, отрицание необходимо, чтобы пережить свою жизнь, но фильмы ужасов показывают, что отрицание может вас погубить. И это точно случилось бы с Венди и Дэнни в «Сияние», если бы они не пробудились и не увидели реальность своей ситуации. Многие из нас этого не делают — слепо шагая по жизни так непреклонно, что мы с таким же успехом могли бы замерзнуть в снегу, обреченные повторять свои ошибки снова и снова.
Монтажёр/The Editor – Адам Брукс и Мэттью Кеннеди явно знают толк в джалло и в 2014 году сняли любопытную комедийную пародию на этот итальянский поджанр. Но они не просто решили посмеяться над глупостями и клише джалло, а удачно стилизовали и визуально красиво оформили фильм так, что не каждый итальянский хоррор может похвастаться таким. Хотя авторы картины не ограничивались лишь работами Марио Бавы, Дарио Ардженто и Лючио Фульчи, а также вспомнили такие культовые картины как «Видеодром», «Сияние», «Техасская резня бензопилой».
Перевал Кассандры/The Cassandra Crossing – режиссёр Джордж П. Косматос в 1976 году снял удивительно захватывающую и смелую работу. Смелую в плане финала, который для жанровой картины смотрится очень даже неожиданно. В действительности Косматос создал такой коктейль из жанров, где помимо экшена и саспенса, не оставил без внимания смысловую и символическую суть сюжета, коснувшись не только моральных и социальных тем, но и тему нацизма и холокоста.
Бекки/Becky – это неплохой жанровый образец для одноразового просмотра, который мог запросто порадовать помимо развлекательного контента, глубоким авторским высказыванием. (более подробно)
Фирма/The Firm – так как смотрел очень давно, решил пересмотреть вполне известный фильм Сидни Поллака с Томом Крузом в главных ролях. И не пожалел, картина и сейчас выглядит интригующе и напряжённо. Прекрасные актёрские работы, увлекательный детективный сюжет, а также драматическая и мелодраматическая часть облагораживают эту картину своими достоинствами.
Обладатель
Обладатель/Possessor – вторая полнометражная работа сына Дэвида Кроненберга — Брэндона Кроненберга. И можно смело сказать, что талантом Брэндона отец не обделил, так как «Обладатель» — это одновременно завораживающая, психоделическая, стильная и параноидальная картина, в которой можно углядеть не только киноязык Кроненберга старшего, но и вполне линчевские мотивы. Фильм на уровне визуала, метафор и сюжета сделан довольно тонко и талантливо, может не везде идеально, но Брэндону явно есть куда расти.
Исчезновение на дороге Клифтон Хилл/Disappearance at Clifton Hill – после весьма обнадёживающего начала и крутого оформления под неонуар становится вдвойне обидней, что все эти компоненты перестают работать должным образом из-за того, что режиссёр помимо формы не удосужился написать хороший сценарий и оживить своих пустых героев. (более подробно)
Молочные зубы/Babyteeth – возможно, если бы «Молочные зубы» вышли за приделы ярлыка сандэнсовской хипстер-инди-драмы, то история заиграла новыми красками и свежими идеями. А так вроде всё сделано неплохо, но ничего, увы, нового. (более подробно)
Чем глубже копаешь/The Deeper You Dig – семейная чета, состоящая из Джон Ло, Тоби Поузера и Зельды Адамс собственными силами и видимо на собственные средства сняли уже не первый свой независимый фильм. И надо им отдать должное, что имея на руках довольно крошечный бюджет, они не халтурят и стараются придать своей работе кинематографичный лоск. Конечно, в плане нарратива и того же бюджета в фильме много шероховатостей, но его история действительно цепляет.
Вздрюченные/Get Duked! – что-то британский юмор от Ниниан Дофф мне не зашёл. Вроде и концепт интересный, но реализация настолько не оригинальна, что все эти натужные попытки пошутить лишь утяжеляли просмотр. И вроде тут есть любопытный социальный комментарий, но, когда юмор вновь строится на том, что герои курят траву и от этого смешно. Извините, но этот шаблонных ход уже давно не веселит.
Она умрёт завтра
Она умрёт завтра/She Dies Tomorrow – медитативное и бесформенное нечто, которое очень сильно хочет создать гнетущее и меланхоличное чувство грусти, но бессодержательность происходящего лишь убивает зрительский интерес. И явно кино ориентировано на более трансцендентальные ощущения, но вот вопрос удалось ли актрисе и режиссёру Эми Саймец создать должную атмосферу. По-моему, нет. Хотя в наши пандемийные реалии, картина и вправду выглядит довольно актуальна, обидно лишь, что исполнение подкачало.
За призрачной дверью/The Pale Door – если фильм «Чем глубже копаешь» был идеальным примером того, как за крошечный бюджет можно сделать настоящее качественное кино, то «За призрачной дверью», имея те же небольшие деньги, кроме как халтурой не назовёшь. Ужасно бездарная калька на фильм «От заката до рассвета» в антураже вестерна, где вместо вампиров тут ведьмы.
В ожидании варваров/Waiting for the Barbarians – экранизация «Величайшей книги XX века» по версии Penguin Books, где режиссёр Сиро Герра раскрывает тёмную сторону империализма от лица гуманиста в исполнении актёра Марка Райлэнса, точно подмечая, что настоящие варвары тут не пустынные кочевники, а сами люди Империи. Проблема заключается в том, что Герра всё слишком упростил и прошёлся по верхам, потеряв нужную глубину и эмоциональный накал.
«Молочные зубы» дебютная работа австралийки Шеннон Мерфи, решившая перенести на киноэкран театральную пьесу Риты Калнеяс, которая выступает тут в качестве непосредственно сценариста. Очередной фильм про девочку, болеющей раком, словно созданный по лекалам фестивальных картин для "Сандэнс". Действительно, как только начинаешь смотреть это кино, то тебя настигает ощущение какого-то дежавю: словно видел этот фильм и раньше. Конечно, сама по себе тема не нова, но Мерфи словно взяла учебник и следовала инструкции: как сделать стандартное инди-кино идеально.
По сути, что «Я, Эрл и умирающая девушка», что фильм Мерфи страдают одним авторским недугом, а именно отсутствием широкой авторской оптики. В этом плане картина на схожую тему «Не сдавайся»Ван Сента по-прежнему остаётся эталонным образцом живой искренности. Хотя надо отдать должное Мерфи – она обходит манипулятивные моменты и старается максимально дистанцироваться от пошлого эмоционального надрыва, очень редко акцентируя на том, что главная героиня тяжело больна.
То есть тот дух надвигающейся потери уже впитан в ткань нарратива, а персонажи уже находятся в травматическом состоянии. Проблема только в том, что это всё наслоено на сюжетные штампы, которые становятся ещё заметней из-за своего длинного хронометража в два часа. Не помогает в этом также излишне претенциозное деление фильма на главы, видимо это такая театральная фича из самого спектакля, но в картине она лишена смысла. Но при этом у фильма всё же есть достаточное количество хороших моментов. Один из них – это саундтрек. Музыка тут подобрана с таким изящным вкусом, что большую часть песен охота добавить себе в плейлист. И в целом визуальная часть радует своим исполнением. Операторские ракурсы, игра со светом и неоновые оттенки облагораживают кадр эстетической красотой.
Хотя сама история меня почти никак не тронула, но её финальная часть сделана по-режиссёрски очень мощно: да с ожидаемым надрывом, но с весьма грамотным исполнением. И приятно, что актёру Бену Мендельсону наконец выпала возможность не играть очередного стереотипного злодея, по сути, продемонстрировав на еле заметных полутонах весь свой эмоциональный спектр. Возможно, если бы «Молочные зубы» вышли за приделы ярлыка сандэнсовской хипстер-инди-драмы, то история заиграла новыми красками и свежими идеями. А так вроде всё сделано неплохо, но ничего, увы, нового.
